indiepoprock.fr - chroniques de disques

Violens - True

Mon, 28 May 2012

Après "Amoral", dont la sortie avait fait couler beaucoup d'encre en 2010, Violens revient plus discrètement avec "True". Il est vrai que le groupe n'a cessé de publier sur son site des inédits en 2011, à tel point que le fan pouvait douter, se demandant si le groupe était encore à même d'avoir une certaine cohérence pour sortir un deuxième album. Et ces approximations, Violens a su les faire taire car "True" condense à nouveau la new-wave des années 80 pour une oreille qui ne recherche pas nécessairement le son propre à cette époque. La pop électro édulcorée se marie à nouveau à merveille avec les riffs psychédéliques et endiablés de Jorge Elbrecht et son équipe. Des morceaux comme Der Microarc, Lucent Caries ou Unfolding Black Wings vous feront hocher la tête et donnent à ce deuxième essai une atmosphère qui nous envoûte. "True" est un album qui le précise : vrai, rien n'est caché, tout y est spontané.

Albarn (Damon) - Dr Dee

Sat, 26 May 2012

Au moment où la fin de Blur est annoncée à coups de coffrets collector et de tiroirs-caisses, Damon Albarn ajoute une nouvelle corde à son orchestre philharmonique avec un projet qui le fera passer des Inrocks à Classica, de Hyde Park à l'Opéra de Londres. L’opéra “Dr Dee” raconte la vie de John Dee, mathématicien, astronome, astrologue, professeur particulier et conseiller d’Elizabeth 1^ère, qui a travaillé toute sa vie entre les sciences et la magie. Ses travaux et manuscrits enrichissent le côté mystique de ce personnage haut en couleurs, accusé d’avoir calculé l’horoscope de la reine Marie, d’avoir étudié une machine à mouvement perpétuel, d’avoir cherché une pierre aux vertus magiques ou encore d’être entré en conversation avec des anges... Bref, la bio de John Dee a de quoi faire ravaler sa cape à Harry Potter. Damon Albarn, touche à tout insatiable, a donc mis son histoire en opéra. Flûtes et orgues croisent ici des guitares acoustiques (le déchirant Blackbird au chant si parfait), les claviers vintage rythment des chants lyriques (Saturn), les arrangements s’égarent dans la dramaturgie lyrico-pop (Spirit, animate us digne d’un titre de Rogers Waters). Albarn avait déjà taté de l'opéra en 2007 en mettant en musique "Monkey journée to the West". Comme sur cette adaptation d'un conte ancestral chinois où il avait imposé ces arrangements au monde du théâtre, il joue ici avec son impressionante palette musicale. Même si l’album souffre de quelques longueurs (la limite de l’opéra sur disque...), l’habile mélange de chœurs, d'instrumentation lyrique, d’arrangements modernes et de sonorités africaines (les percussions sur Preparation) mérite qu' on jette une oreille sur ce travail. Enregistré en 2011 dans le studio de Damon Albarn à Londres et à Salford avec le BBC Philharmonic Orchestra, l’album a été mixé par Valgeir Sigursson à Reykjavik. On le découvrira en live à l’English National Opera de Londres cet été. Un fait d'armes de plus pour le retraité de Blur, bien décidé à ne pas rester sur une route rectiligne…

Happy Mondays - Pills'n'Thrills and Bellyaches

Sun, 20 May 2012

Parler des Happy Mondays sérieusement relève d'un exercice aussi périlleux et vain que celui de fournir une exégèse de la pensée de Florent Pagny. Par sa nature excessive, furieusement hédoniste, vicelarde, le groupe mancunien surpasse le réel, se refuse à l'analyse à froid ; plus qu’un groupe, le collectif de petites frappes mené par Shaun Ryder s’apparente à une troupe de personnages de cartoons et évoque les excès délirants et comiques d’un Spinal Tap revu à la sauce baggy. Comme un bon Tex Avery, l’écoute des Mondays plonge fatalement l'auditeur dans une sorte d'euphorie égrillarde. Bien sûr, il faut également reconnaître la part sombre du groupe, la face cachée de la vague Madchester, cette vilaine tendance à l'autodestruction via consommation massive de drogues qui a fait de Shaun Ryder et des siens (Bez en particulier) des épaves bien avant l'heure – leur reformation et la tournée prévue cet été seront l’occasion de relever d’effrayants compteurs. Comme les Ramones pour le punk, les Happy Mondays représentent la face la plus débridée du phénomène Madchester et en synthétisent également les excès les plus effrayants, les drames les plus pathétiques. Les Happy Mondays ont construit leur style sur un mélange artisanal et peu rigoureux de funk, de rock et de pop, avec un sens du groove qui symbolise à lui seul le style Madchester. Musicalement, c'est sans aucun doute "Pills'n'Thrills and Bellyaches" qui met le mieux en valeur le groupe, grâce au son parfait mis en place par Paul Oakenfold et Steve Osborne… pourtant il s’agit également du disque sur le son du groupe est le plus éloigné de ses origines. Oakenfold et Osborne succèdent à l'immense Martin Hannett ; on se gardera bien de formuler des réserves sur le travail de Hannett (bien qu'à cette époque son jugement n'ait probablement pas été toujours limpide) mais force est de reconnaître que Oakenfold renouvelle totalement la musique des Happy Mondays. L'intelligence de sa production est de s'éloigner des standards du producteur attitré de Factory (son agressif, chargé d'écho) pour placer la bande de Shaun Ryder dans un cocon aux confluents du funk, de la pop et de la musique électronique de l'époque. Ce parti-pris pervertit certainement la musique des Happy Mondays en lui donnant un tour plus lisse, en gommant le côté joyeusement bordélique de "Bummed" mais c'est également ce qui donnera à l’album cet éclat particulier – on le sent d’ailleurs dès l’introduction de Kinky Afro : une nappe synthétique riche en glucose enrobe généreusement un gimmick de guitare accrocheur et répétitif et propulse directement l'auditeur sur orbite chimique. C’est mélodique et dansant, c’est pop, funky et la fois un peu planant : le son des Mondays n’est plus le même mais ce nouvel alliage les propulse tout droit dans la stratosphère. Le hit Step On montre encore mieux l’ouverture du groupe vers une véritable musique de danse, festive et hédoniste. Sur la base de cet alliage imparable entre un groove physique, moite et musqué et un état d'esprit envapé, euphorique, extatique dans tous les sens du terme, le groupe aligne une série de riffs imparables (God's Cop, Grandbag's Funeral) et de vilaines cochonneries funk bien salaces (Bob's Yer Uncle). "Pills'n'Thrills and Bellyaches" est certainement autant, si ce n’est plus, l'œuvre de son producteur que celle des Happy Mondays, mais cela ne nous empêche pas de goûter cette délirante décoction. Une véritable bacchanale en quelque sorte, en même temps qu'un véritable document historique sur son époque, une tornade dont on ressort vaguement ébahi mais surtout en pleine euphorie.

Kevin Tihista's Red Terror - On This Dark Street

Sat, 19 May 2012

Autant être honnête : Kevin Tihista était pour nous jusqu'ici totalement inconnu au bataillon. On apprend pourtant facilement que l'homme a derrière lui un parcours assez long - parcours qui s'est déroulé avec une belle constance dans l'ombre et l'anonymat, probablement à cause d'une timidité maladive l'empêchant de défendre ses albums sur scène. C'est comme toujours accompagné de sa "terreur rouge" que Tihista nous revient pour un album nous parlant d'une "rue sombre" : après autant d'années passées loin des feux de la rampe, se ruer sous les lumières des projecteurs n'est pas encore à l'ordre du jour. Si la susdite "Red Terror" fait envisager une approche musicale musclée, dissipons d'emblée l'ambiguïté : il est question ici de folk, de pop, de belles mélodies mélancoliques, d'arrangements soyeux, de guitares boisées… Autant de caractéristiques qui évoquent immanquablement une litanie de références parfois écrasantes. Cela fait bien longtemps qu'il ne suffit plus de placer quelques notes de violoncelle en contrepoint d'un joli picking de guitare pour remporter la mise. L'inspiration n'est pas qu'une question d'instrumentation ; même l'intimisme le plus forcené a besoin d'âme, de souffle et de ce côté, Kevin Tihista comble toutes nos attentes avec ce "On This Dark Street" simplement magistral. L'entame de l'album donne le ton et fait se succéder Taking It To The Streets (Again), sec et brut, et un second titre, Bats, qui se place dans un registre de pop très sophistiquée, riche en arrangements. Les couches sonores s'y superposent (harmonies vocales, parties de guitare doublées à la tierce...) sans que l'ensemble s'alourdisse. C'est même le contraire : plus les nappes s'accumulent, plus le morceau semble prendre son envol pour atteindre une légèreté éthérée très émouvante. La suite confirme ces excellents augures en alternant des compositions très pop, très anglaises (Country Road) et des complaintes folk souvent déchirantes. Musicalement, le comble de la sobriété et de l'élégance est atteint sur les grandioses In Dreams et I Heard A Voice sur lesquels les parties de guitares atteignent un équilibre rare entre évidence et beauté, chaque note semblant totalement nécessaire, à sa place. On soulignera d'ailleurs que tout l'album ravira les amateurs de six-cordes avec des arpèges et des harmonies d'une rare pertinence. L'accent très clair de Tihista facilite la compréhension de ses textes qui ont visiblement fait l'objet d'une attention toute particulière. Le Californien nous offre ainsi des couplets assez intrigants, parfois drôles ("désolé, j'ai dû arracher la couverture de ton roman de Jack Kerouac, il fallait vraiment que je me mouche" sur Jack K.), parfois franchement glauques (Don't Let Him In). Ce dernier morceau, narrant une terrible histoire de violence domestique, permet aussi de saisir une des facettes de l'art de Tihista qui s'inscrit dans une certaine tradition du songwriting américain. On pense ainsi au Lou Reed de The Gift ou de "Berlin", un conteur quelque peu théâtral, fasciné par les bas-fonds, jamais très loin d'Hubert Selby Jr. On ne connaissait pas Kevin Tihista et l'on avait tort. "On This Dark Street" fait partie de ces albums qui survivent à toutes les comparaisons, qui transcendent leurs influences pour affirmer un talent hors du commun. C'est ce qu'on appelle un grand disque.

Wovenhand - Live At Roepaen

Mon, 14 May 2012

A bien y regarder, l’activité musicale de David Eugene Edwards semble être actuellement centrée sur l’interprétation de ses anciens titres. Après « Black Of The Ink » qui était une réécriture acoustique de certains moments forts de la discographie de Wovenhand, voici que sort « Live At Roepaen », un concert enregistré à Ottersum, Pay-Bas. Certes, on aurait préféré un nouvel album, mais la beauté de ces enregistrements réussit à nous captiver, tant l’atmosphère de l’enregistrement, capté dans une église, vient prolonger la beauté et la noirceur des compositions de David Eugene Edwards. Dès l’inaugural Hutterite Mile, on entend cette phrase de finger-picking jouée à la guitare acoustique par Pascal Humbert, l’immense bassiste de Passion Fodder, et qui accompagne David Eugene Edwards depuis les débuts de Sixteen Horsepower. On pense aussi à son projet solo, Lilium, dont les trois albums mériteraient d’être réécoutés, tant le mot chef d’œuvre ne semble pas ici galvaudé. Et puis il y a la voix de David Eugene Edwards, toujours sur la voix de la rédemption, pleine d’histoires sombres et violentes, dont les fantômes évoquent toujours les premières heures du folk primitif, cette fameuse « République Invisible » décrite il y a quelques années par Greil Marcus. Pendant l'écoute, la tension ne nous lâche pas, David Eugene Edwards psalmodie avec ferveur, comme pour mieux ranimer quelques esprits qui viendront se matérialiser au coeurs de l’église. Les membres du groupe se serrent les coudes, servant cette musique folk, country, shamanique, mais toujours aussi teintée de référence à Joy Division. Wovenhand semble presque en communion, et cela s'entend jusqu’aux dernières notes de l’immense Off The Cuff. On en ressort vidé, sur les rotules, avec une seule petite déception, celle de n’avoir pas pu être là pour voir un tel concert. Heureusement, Wovenhand pense à nous, puisque ce « Live At Roepaen » est accompagné d’un DVD qui retranscrit l’intégralité de la performance. Et même s’il est difficile de retranscrire son ambiance dans notre salon, ce « Live At Roepaen » mérite amplement d’être vu et écouté.

Shabazz Palaces - Black Up

Fri, 11 May 2012

Shabazz Palaces est un duo de hip-hop expérimental dont le précepte, énoncé en chanson, est « If you talk about it, it’s a show/But if you move about it, then it’s a go.” En insistant pour replacer leur musique percutante et curieuse au cœur du business plutôt que leurs personnalités, Ismael Butler et Tendaï Maraire ont apporté la cerise sur le gâteau à ceux qui trouvaient déjà le disque génial. De peur de 'polluer' la musique, il ne faudrait sans doute rien évoquer de leur passé, et ne pas répéter ce que Butler a répondu lors d’interviews révélatrices. On se contentera du premier impératif, en précisant toutefois que Black Up n’est pas le premier enregistrement de Shabazz Palaces et que Shabazz Palaces n’est pas le premier projet de Butler. « Ca ne veut pas dire que nous cherchons à être mystérieux ou à nous dissimuler derrière l’anonymat, nous avons simplement enregistré la chanson. Qu’y a-t-il d’autre ? Je pensais qu’il s’agissait de musique, pas de conversation.» The Revolution Will not be Televised, disait Gil Scott Heron en 1969. Des groupes tels que Shabazz Palaces ont toujours existé. Il n’y a rien de vraiment nouveau dans leur démarche, mais davantage dans leur son ; c’est leur poésie posée sur des beats fracturés et des trames aérées et synthétiques qui a attiré l’attention en premier lieu et qu’ont apprécié l’équipe de Sub Pop, à Seattle, ville dont le duo est originaire. Quand on lui dit que Shabazz Palaces est un groupe différent, Butler en prend le naturellement le contrepied : "Je pense que nous avons plus de similarités [avec la scène rap] que de différences. C’est toujours du hip-hop, c’est toujours du rap, c’est toujours la culture Noire. » Shabazz Palaces est ancré dans un genre qui a l’habitude de frapper là ou ça fait mal, et ce n’est pas une expérimentation sur les textures et les structures des chansons (qui finissent très loin de là où elles ont commencé) qui va occulter cela. Butler est fan de Lil Wayne, de Rick Ross, et de Bun B. Il se bat comme les autres contre la mondanité ambiante et l’hypocrisie. "Black Up" n’est, astucieusement, que la locomotive avec des wagons de déclarations à suivre, concernant par exemple les journalistes insidieux, mais promouvant plus souvent les qualités positives de sa musique - ses connexions artistiques et symboliques, le jeu de masques et le mystère qui renvoie aux vieilles traditions africaines. Butler rappelle qu’un moment présent bien exécuté doit capturer une part de passé et d’avenir – ce qui se traduit respectivement en rap par le ressentiment et la mise en garde destinée aux jeunes générations. Et "Black Up" sonne comme quelque chose de frais, de jeune, malgré l’expérience accumulée par Butler depuis 1993 et "Reachin' (A New Refutation of Time and Space)", le premier album d’un projet baptisé Digable Planets. Pour respecter l’adage qui débutait cet article, il ne faudrait donc ne consacrer ses mots qu’à la musique contenue dans l’album. Cependant, Ismael Butler serait d’accord pour dire que ‘it’s a feeling’(Are You…Can You….Were You? (Felt)) : ce n’est qu’un sentiment. Subjectif, volatile, capable de changer. « Je ne sais pas vraiment d’où viennent les idées. Ce n’est peut-être même pas moi qui les génère, elles proviennent d’un endroit que je ne suis même pas capable de nommer, mais je les ressens. Et quand elles se réalisent, c’est la combinaison de tant de motivations et d’instinct que je ne pas les définir avec autorité. Je n’ai pas le talent et l’habileté pour décrire [ce que je fais]. » Ne donnant aucune clef de compréhension, Butler se refuse à assumer des textes parfois agressifs, et ce malgré le plaisir qu’il a eu à les travailler dans leurs grooves disparates. Il y a des mantras, type ‘you know i’m free’ sur Free Press and Curl ; des questions, et de vraies énigmes. « Things are looking blacker but black is looking whiter » est possiblement un commentaire sur la récupération par des Caucasiens de la culture noire américaine avec des sites comme Pitchfork. Même s’il ne met rien de concret en valeur, ni personne, ni message – on sait que Butler s’est réinventé, s’est sophistiqué. Ce qui rend l’album étrangement facile, agréable même à écouter, c’est le manque délibéré de volonté de la part de Butler de faire des connexions trop littérales à son environnement, même si le contexte l’agresse manifestement autant qu’il agresse un Danny Brown ou un MC RIDE. "Black Up", c'est aussi la rencontre de Butler avec Stasia Iron et Catherine Harris-White du duo de hip-hop THEEsatisfaction, deux jeunes femmes qui se livrent à l’inconnu à deux reprises sur Black Up, avant d’être invitées par Sub Pop à faire le grand saut à leur tour. Ce qu’elles font avec "AwE NaturalE" en 2012. Les voix des deux chanteuses sont une belle addition à un album qui procède autrement surtout par soustraction.

Bear in Heaven - I Love You, It's Cool

Wed, 09 May 2012

En 2009, le quatuor n'avait pas besoin d'insérer le mot 'cool' dans le nom de leur deuxième album, "Beast Rest Forth Mouth", pour l'être. En se fondant les unes dans les autres, les chansons dominées par des synthétiseurs puissants racontaient des destins adolescents chantés par de jeunes adultes. Une progression dramatique parfaitement séquencée portait l'auditeur d'une mélodie imparable à une autre, jusqu'au milieu de l'album avec Ultimate Satifaction. Il paraissait après que MGMT aient tâté le terrain avec le très intéressant "Oracular Spectacular" (2008) et son duo de singles désenchantés. Depuis, le genre s'est enrichi d'un nouveau MGMT moitié moins bien que le précédent, et d'"Hurry Up, We're Dreaming" (M83, 2011). On pouvait craindre que le groupe New-Yorkais ne se mette à trop réfléchir sur la suite à donner à "Beast Rest Forth Mouth", l'ambition rampante vivant dans chacune de leurs compositions menaçant de transformer quelques idées alignées en concept album. "I Love You, It's Cool" y réchappe de peu ; on sent une volonté irrépressible de faire un album générationnel, et cela fonctionne, sans doute, à l'échelle de New-York. Cet album est peut être destiné à être écouté très fort en buvant beaucoup de Red Bull, comme le conseille le groupe sur son site internet, mais une telle méthode ne fera qu'incommoder les voisins, et produira l'effet inverse du consensus planétaire que semblent réclamer des titres tels que The Reflection of You (« Look into my eyes/You see the reflection of you/In me/On me” et “Here I am/There you are/Just inches away.") ou World of Freakout. "I Love You, It's Cool" donne parfois l'impression d'un album narcissique, d'un vide qui nous contemple. Cet album est conçu pour se propager comme les nappes de clavier les plus insidieuses de Vangelis ou les atmosphères les plus bizarrement enlevées de Tangerine Dream. Rien ici n'attend l'impact de Lovesick Teenagers ou le magnétisme pop de You do You de l'album précédent. On est cependant très heureux de retrouver la voix suave à reverberation tunnel de John Philipot, d'autant plus qu'elle se débat à présent sur des trames plus musclées, voire agressives comme du Trans Am. On ne comprendra pas grand-chose de ce qui va se dérouler, les paroles étant avalées par la palette sonore richissime – des sons qui font 'swooooshh' ou 'wiiiiiiiizzzz'. L'album évolue, de la sensualité de The Reflection of You jusqu'aux climats plus obscurs qui se développent à partir de Sinful Nature, construit autour d'une batterie solide et syncopée et d'une basse génétiquement modifiée, et agrémenté de guitares psychédéliques réminiscentes des Smashing Pumpkins de "Gish". Comme parfois auparavant, le groupe semble hésiter entre plusieurs directions, et même l'humeur générale de l'album est difficile à définir – mais peut-être est-ce justement ce qui le rend 'cool'. A la fois menaçant et amical, sérieux à l'aune de sa dérision existencielle, sur "I Love You..." le groupe semble avoir gommé les expérimentations du temps du premier album, poli le son pour nous offrir un résultat un peu lisse. Leur pop futuriste gagnerait à laisser la place aux nappes en errance de leur premier album, plutôt que de finir par assommer l'auditeur sous un déluge de stimuli et de textures.

Dr. John - Locked Down

Sun, 06 May 2012

Le plan de Dan Auerbach consistant à produire Dr. John était d'une ambition folle. S'il s'était agi de rendre sa crédibilité au pape de la Nouvelle-Orléans, la tâche aurait déjà été ardue ; seulement, Mac Rebennack n'a rien d'une star déchue dont un jeune loup pourrait s'approprier la légende. Ces dernières années, il a sorti d'excellents disques, "The City That Care Forgot" (2008) ou "Tribal" (2010), réinvestissant pleinement son rôle de passeur après la catastrophe de l'ouragan Katrina. "Tribal" en particulier le voyait redevenir cent pour cent néo-orléanais, dans le son et dans l'esprit, bien loin de toutes les accusations d'auto-parodie qui finissent par tomber sur les musiciens dont le mythe est encombrant. Directif et autoritaire, Rebennack a toujours su s'entourer d'amis et des meilleurs – le Lower 911 dans les années 2000, et le groupe funk ultime issu de la Nouvelle-Orléans, les Meters, si l'on revient à "Dr John's Gumbo" (1972) et "In the Right Place" (1973). Deux idées ont concourru à la relative réussite de cette entreprise : premièrement, Auerbach a conseillé au grand pianiste rythm and blues de se concentrer sur des sonorités de clavier plutôt que de piano, comme pour retrouver l'esprit de ses débuts. "Gris Gris" (1968) et "Babylon" (1969) furent les fondations, issues de sessions chaotiques, sur lesquelles Rebennack construisit la suite plus conventionnelle de sa carrière. Le piano inscrivait Dr. John dans la lignée de ses héros, de Fats Domino à Professor Longhair, et représentait la face la plus commercialement viable de sa musique, le moment où il s'était mis à reprendre les hits locaux de la Louisiane, Iko Iko, Tipitina ou Big Chief. En réinvestissant un orgue Farfisa que même les zombies voodoos haïtiens ne voleraient pour rien au monde – instrument dont il n'avait plus joué depuis l'année 1968, de son propre aveu – Rebennack renouvelle son plaisir. Pour aiguiser son imagination, Auerbach lui fait écouter des 45 tours de soul et de funk ethiopien des années 70. Le résultat le plus visible, c'est ce solo oriental sur Revolution, enregistré en une seule prise. Deuxième bonne initiative, suggérer à Mac Rebennack d'écrire des chansons personnelles. « Les premiers albums de Mac sont tellement bons, ils ont vraiment une imagerie cool, mais c'est un personnage, ce n'est pas Mac, c'est Dr John. », commente le guitariste des Black Keys. « Je voulais un album qui aurait le feeling de ces disques, mélangé avec la vraie personnalité de Mac. Il souhaitait se révéler de cette façon, parler de choses intimes. Finalement, je pense que c'est ce qui va survivre au passage du temps, car cela vient totalement de son cœur. » Le pouvoir d'évocation de la sorcellerie vaudou accentue l'impact d'un album sur lequel Dr John appelle aux armes, pourfend les nouvelles religions, finance et surveillance, y apparaissant pourtant plus touchant que sauvage. Comme dans toute musique néo-orleanaise, les thèmes de la persistance et de la rédemption transcendent celui de la désobéissance, de l'acte inconsidéré, même si l'ouragan Katrina a donné depuis 2005 une tension supplémentaire au discours des artistes locaux. Sept ans après le drame, alors que la paranoïa occidentale augmente en même temps que l'inertie de son système, "Locked Down" canalise les illusions et la confusion du monde contemporain. Kingdom of Izzness ou Iceage rejoignent Revolution pour ce qui est de créer un climat d'urgence, mais c'est dans un écrin de grâce aux relents de vieux marais zydéco. Dr John arrondit toujours les angles de la façon la plus élégante, profitant de sa sagesse, en regard de sa longue carrière (il a 71 ans) même dans une chanson ou on l'entend dire « KKK, CIA, ils jouent tous le même jeu ». Les chœurs des sœurs McCrary, la basse bondissante, les introductions détonnantes et les sections rythmiques endiablées : "Locked Down" cherche sans repos cette l'intuition aussi festive que mystérieuse qui concourt, sans approximation, au meilleur funk. Les morceaux jouent de plusieurs dimensions, pas toujours avec le succès escompté ; si Big Shot est extraordinaire, Getaway est assez prévisible. Le solo de Dan Auerbach vers la fin du morceau laisse penser que Locked Down est un acte de bravoure pour lui, avant d'être celui de Rebennack. Un sentiment que confirme le processus d’enregistrement. Auerbach a beaucoup réfléchi en termes musicaux, en voulant donner une teinte précise à l'album – tout en sachant qu'un album de Dr. John s’accommode de choses très diverses, exactement comme le gumbo néo-orléanais. «Mac a l'habitude de la manière classique d'écrire des chansons, selon laquelle vous démarrez par la mélodie et les paroles avant de composer la musique. Nous avons fait exactement le contraire. Nous sommes arrivés avec la musique en premier. Après 13 jours nous avions 13 chansons. Il est revenu un mois plus tard, et a passé huit jours à finir les chansons – textes, chant, mélodies.» Cette façon étrangement policée de faire de la musique semble parfois nuire au feeling de ces dix chansons – jusqu'à ce que la candeur des deux titres de fin – My Children, My Angels et God is Sure Good - nous débarrasse d'une impression de légère raideur. Sur la dernière, le duo de chanteuses est remplacé par une large chorale. La production, se rapproche beaucoup de celle d'El Camino (2011), des Black Keys, jusque dans cet écho dans la voix qui trahit parfois le timbre de Rebennack, en particulier lorsqu'il s'écrie, au point culminant de l'album : « Can i get a witness ? » On appréciera cependant encore la facilité que montre Locked Down pour lier le primitivisme des 78 tours, la sophistication sous-estimée du funk des années 70 et la compression de l'ère mp3.

Moonface - With Sinaii�: Heartbreaking Bravery�

Sat, 05 May 2012

Véritable stakhanoviste du songwriting, Spencer Krug n'arrête jamais de composer pour les différents projets auxquels il collabore (Wolf Parade, Swan Lake, Sunset Rubdown, Fifths of Seven). Il faut donc parfois accepter qu'il y ait un peu déchet et l'on concède ne pas toujours arriver à suivre le bonhomme dans sa frénésie d'écriture. Son principal projet, Wolf Parade, étant en « indefinite hiatus » depuis bientôt un an, le canadien en profite pour donner naissance au premier véritable album de Moonface. "With Sinaii : Heartbreaking Bravery" est né de la rencontre entre Spencer Krug et le groupe finlandais Joensuu 1685 qui assurait la première partie de Wolf Parade lors de leur dernière tournée en 2009. Enregistré à Helsinki en août 2011, cet album regroupe l'écriture romantique de Krug et ses textes centrés sur le thème de la rupture amoureuse, avec les atmosphères krautrock composées par Siinai, le groupe bâti sur les cendres de Joensuu 1685. L'album hésite ente post-rock, krautrock et new-wave, entre plages instrumentales soutenues par une rythmique pesante et nappes de synthés un peu cheap, et décide finalement de ne pas choisir. Les morceaux de bravoure se nomment Yesterday's Fire ; Shitty City ou encore Lay your Cheek on Down qui clôt cet album de fort belle façon. Ni vraiment expérimental, ni vraiment pop, ce premier album de Moonface reste plus accessible que les précédents travaux de cet Hercule canadien. On ne s'en plaindra pas même si l'on espère le voir un jour rouvrir la parenthèse Wolf Parade avec son compère de toujours Dan Boeckner.

Manson (Marilyn) - Born villain

Fri, 04 May 2012

Marilyn Manson est de retour, et c'est chez Cooking Vinyl qu'il publie son nouvel album. Depuis que la crise du disque et les bouleversements causés par internet ont sérieusement ébréché la toute puissance des majors, il y a deux catégories d'artistes qu'on a vu revenir chez les labels indés : ceux qui l'ont fait par choix plus ou moins militant ou qui ont considéré que les majors n'étaient plus à même de défendre leurs intérêts, et ceux qu'on a envoyé voir ailleurs parce qu'ils n'étaient plus assez rentables. Marilyn Manson appartient sans conteste à la seconde catégorie. Beaucoup n'y verront rien d'étonnant, arguant qu'à force de traîner partout son personnage bidon, Marilyn Manson devait bien finir par lasser. Plus subtilement, si on s'intéresse un tant soit peu au personnage, on dira plutôt qu'avec "Eat Me, Drink Me", il avait à la fois sans doute publié son meilleur album tout en se donnant le baiser de la mort, ce disque donnant à voir d'un peu trop intérieurement un personnage jusque-là exclusivement construit pour l'extraverti. ' The High End of Low", publié il ya trois ans, avait effectivement confirmé un certain éclatement, le disque se révélant sans direction, pas vraiment mauvais mais erratique. Marilyn Manson n'en était d'ailleurs pas dupe, et son déclin ne lui avait pas pour autant fait perdre sa lucidité ni sa sagacité, quand il avait par exemple reconnu que les Britney Spears et consorts, vêtues de leurs shorts ultra-moulants, étaient devenues plus subversives que lui. Alors à quoi bon publier un nouvel album, pourquoi ne pas jeter l'éponge au lieu de prolonger le déclin, au risque de le transformer en agonie ? peut-on se demander. La réponse, c'est que le maître en concepts qu'est Marilyn Manson a dû tout bonnement se dire que le déclin, c'est justement un concept comme un autre et qu'il pouvait peut-être en faire quelque chose. En ce sens, pour assurer la promo de l'album et de ce fameux concept, il lui aura suffi de se montrer avec Lana Del Rey et de laisser se propager comme une traînée de poudre la rumeur d'une possible idylle. Quelle meilleure publicité en effet que d'être associé à celle qui a le plus agité le web ces derniers mois, et qui en plus incarne l'ascension éclair et le retour de bâton en version accélérée ? Bref, le coup était bien rôdé pour lancer "Born Villain", titre au second degré assumé, mais qui rime aussi avec "born again". Car, même s'il serait peut-être exagéré de parler de renaissance, ne nous y trompons pas : sous couvert de jouer à l'artiste maudit qui ne sait rien faire d'autre que s'amuser de la noirceur du monde et qui s'y résigne, Marilyn Manson signe bel et bien un retour au premier plan. Dans l'intensité d'abord, qui ne retombe pas une seconde de tout l'album. Les morceaux sont tendus à souhait, ciselés, sans emphase, et, s'ils ne donnent pas tous le tournis, ils se révèlent au minimum d'une efficacité redoutable. Pistol whipped, Slo-mo-tion, The Gardener sont ainsi imparables. Fait notable également, la seconde moitié du disque est encore plus réussie que la première et offre les morceaux les mieux écrits, Disengaged, Born Villain, Breaking The Same Old Ground en tête. "Born Villain" marque également le retour d'une production absolument remarquable. Car, qu'on apprécie l'univers de Marilyn Manson ou pas, s'il est un aspect qui passera quoi qu'il arrive à la postérité, tout comme pour son ancien complice Trent Reznor, d'ailleurs, c'est celui du son qu'il a construit, avec cet alliage incomparable de riffs de guitare coupants comme une lame et de textures synthétiques épaisses et lourdes. Ici, le tout est emballé sans fioritures, pas de place pour des accords alambiqués, encore moins pour des solos. Children of Cain, Lay Down Your Goddamn Arms sont ainsi implacables et balaient tout sur leur passage. Enfin, dernier aspect non négligeable, c'est le retour d'un chant de nouveau habité, hargneux, plein de fiel et de cyanure, dimension qui s'était un peu étiolée ces dernières années, notamment sur scène. Là, il suffira d'une écoute de Murderers Are Getting Prettier Everyday pour se convaincre que notre homme a recouvré l'entière possession de ses moyens. En conclusion, "Born Villain" est une drôle de surprise, sans pour autant que Marilyn Manson ne fasse quoi que ce soit qu'il n'ait déjà fait auparavant. C'est l'album d'un type qui est allé puiser en lui-même, dans ses acquis, ses ressources, son vécu passé et présent et en a sorti deux trois trucs. Parce que dans tout cela, il y a de la profondeur.