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Murphy (Elliott) - Just a story from New York

Thu, 23 Feb 2012

Ca fait déjà quelques années qu’Elliott Murphy a cessé de nous étonner. Ce nouvel album ne déroge pas à la règle, complétant une discographie et une carrière aussi rectilignes que les cordes de guitare du songwriter américain. Et pourtant, ces classiques folk font toujours aussi plaisir à entendre, surtout quand ils sont joués avec autant d’énergie et de sincérité. "Just a story from New York" est un album live, comme tant d’autres serait-on tentait de dire à la vue de la set-list. Gone, gone, gone, Pneumonia Alley, You never know what in for, On Elvis Presley’s birthday…tous les grands tubes y sont, avec leur dose de cavalcades acoustiques, d’harmonica clinquant et de refrains aussi poussiéreux qu’un film de John Ford. L'album a été enregistré au légendaire club Rockwood de New York et c’est peut-être ça l’originalité de cet enregistrement. Elliott Murphy et ses fidèles compagnons de route nous ont habitué aux enregistrements dans des salles françaises où ils jouent régulièrement (notamment au New Morning). "Just a story from New York" sonne donc comme un retour aux sources pour l’américain qui réside à Paris depuis des décennies et a conquis son public français avec ses hymnes folk au point de ne tourner que rarement aux Etats-Unis. Rien de bien neuf donc sur ce nouvel album mais une belle preuve de l’éternelle jeunesse d’Elliott Murphy , de l’intemporalité de ses balades et sa complicité avec le guitariste Olivier Durand. Un avant-goût des prochains live au New Morning.

Singtank - The Party (EP)

Wed, 22 Feb 2012

Un deux. Un deux. Un rythme binaire. Deux notes de piano. La fête commence. Une sœur. Un frère. Joséphine et Alexandre de la Baume qui nous livrent là, en l’espace de quatre morceaux, leur univers résolument pop-rock. Rien de bien méchant, mais un ensemble néanmoins séduisant par sa simplicité et ses refrains catchy rafraîchissants. Parce que sous leurs airs de musique pour midinettes, les mélodies en jettent (Superstar). Spontanées, pas sophistiquées pour deux sous, ces dernières ont l’art et la manière de diffuser une certaine joie de vivre, une envie de danser. Un. Deux. A la frustration qui pointe son nez au troisième morceau, quand diable cela va-t-il exploser ? Le potentiel est clairement là mais il en faudra plus pour accrocher l’auditeur. Un soupçon d’insolence ne serait pas de trop, au moins pour compenser des chœurs qui sont tout de même à la limite du nunuche ; fleet foxesiens, local nativiens sur Nuthouse, ils sont enfantins, faussement ingénus sur The Party et confèrent hélas un côté doucereux aux compositions. Ni laboratoire d’idées, ni laboratoire de recherches musicales, Singtank propose un son proche de la tradition sixties. Cependant, la démarche reste un peu trop élémentaire et pas assez audacieuse. Au final, l’exercice est maîtrisé, pour ne pas dire réussi, mais manque un tantinet de panache. Reste à savoir si ce qui séduit format maxi plaît toujours sur la longue durée. L’album, qui est pour bientôt, nous le dira…

Ewert and The Two Dragons - Good Man Down

Mon, 20 Feb 2012

On prête toujours une oreille plus attentive et complaisante aux labels que l'on aime, ceux que l'on sait capables de dénicher la perle rare même au fin fond de territoires pas forcément connus pour leur « penchant pop ». Talitres est un de ces labels référents, Tallin (capitale de l'Estonie) une des ces destinations exotiques. Les deux avaient peu de chances de communier dans nos préjugés sur la qualité de la musique estonienne que l'on ne connaît que par le prisme annuel, certes désuet, de l'Eurovision. Pourtant, c'est bien du côté de Tallin que Sean Bouchard est allé chercher la dernière pépite du label bordelais. Avec la chute du bloc communiste à la fin des années 80, c'est tout un pan de l'Europe de l'Est qui s'est ouvert à la musique rock, pas forcément en odeur de sainteté du temps du Parti unique. Ewert and The Two Dragons est donc un des premiers rejetons de cette génération de musiciens biberonnés à la pop plutôt qu'au classique, moins soumis au regard accusateur et inquisiteur de l'oeil de Moscou. A l'écoute de "Good Man Down", le deuxième album de Ewert Sundja et ses 3 acolytes, il est difficile de trouver une quelconque trace de leur origine « exotique » dans leur musique. Celle-ci aurait très bien pu avoir été écrite à Brighton, Stockholm, Bruxelles ou Clermont-Ferrand. Une pop-folk plutôt classique dans sa composition et ses arrangements soignés (handclaps, percussions, harmonies vocales), un alliage parfait entre la simplicité et l'efficacité, que l'on retrouvait notamment sur les premiers albums de Noah & the Whale et de Stornoway, qui fait mouche à tous les coups, notamment sur un début d'album en fanfare (de In The End There's Only Love à Jolene). La suite, moins primesautière, n'en reste pas moins, elle aussi, marquée par cette parfaite alchimie entre le grand classicisme des mélodies et la redoutable efficacité des harmonies et des arrangements (Sailor Man ; Road To The Hill). Rassurant, à une époque où la recherche de la nouveauté en matière de composition frise à l'obsession et tourne souvent à la mauvaise mayonnaise. Une belle découverte.

Maccabees (The) - Given To The Wild

Sun, 19 Feb 2012

Les Maccabees ont jusqu'ici suivi à la perfection le manuel du parfait petit groupe indé qui veut devenir grand. Rappel des faits : 2007, l'année de la découverte du groupe d'Orlando Weeks avec l'album "Colour It In" et sa palette de pop-songs arty. 2009, l'année de la confirmation avec "Wall of Arms", un album qui regorge de tubes et un son plus mature. 2012, l'année charnière pour The Maccabees, qui doit choisir entre « la voie Coldplay » et « la voie Radiohead », deux trajectoires opposées d'un point de vue artistique, ayant pourtant mené les deux groupes vers le même succès commercial. Sur son troisième album ("X&Y"), Coldplay avait en effet choisi de donner au plus grand nombre ce qu'il avait envie d'entendre, le degré zéro de la prise de risque et une sévère claque pour les quelques fans de "Parachutes" qui avaient survécu au déjà boursouflé "A Rush of Blood to the Head". Le résultat leur a donné raison. Radiohead avait eu l'attitude inverse sur "OK Computer", à savoir faire passer l'artistique, les convictions personnelles, avant la pompe à fric, quitte à perdre du monde en route après le succès de "The Bends". Le résultat leur a également donné raison. Cette longue introduction ne parle que très peu de ce qui nous intéresse plus particulièrement, à savoir le troisième album des Maccabees, mais cherche à expliquer ce qui a pu passer dans la tête de ce groupe (simple supputation) au moment de donner un successeur à un album ayant connu le succès critique et commercial. Ceci explique peut-être pourquoi à vouloir ménager la chèvre et le chou, le groupe n'a pas su trancher entre l'artistique et le commercial et se retrouve avec un album bancal sur les bras. Sans être désagréable, surtout au bout de plusieurs écoutes, "Given To The Wild" connaît pourtant un accueil frileux pour ne pas avoir su choisir une direction claire. Fini les tubes de pop bancale et entraînante, même si un Pelican ou un Forever I've Known ne déméritent pas dans l'exercice. Le nouveau son des Maccabees ne sait pas trop sur quel pied nous faire danser, tantôt pop mièvre (Feel to Follow ; Glimmer) qui ravira les fans de...Coldplay, tantôt plus recherchée dans ses arrangements (Child ; Unknow), qui trouvera un écho plus favorable chez les fans de Foals par exemple. Au final, malgré quelques titres efficaces, ce troisième album des Maccabees va certainement créer beaucoup de déception chez les fans de ce groupe après le succès des deux premiers opus.

Lanegan (Mark) - Blues Funeral

Sat, 18 Feb 2012

Le précédent disque de Lanegan, "Bubblegum", n'avait déjà rien à voir si on se réfère à la définition de la « bubblegum music ». Il en presque de même en ce qui concerne "Blues Funeral" dans la mesure où l'album n'a rien à voir avec le blues musicalement, mais véhicule, tout au long de ses douze titres une atmosphère plus que funéraire, mortifère par endroits. Il est notable, à cet égard, qu’à l'inverse de la plupart des artistes débarrassés du carcan de ce que faire partie d'un groupe put représenter, le chanteur continue de se nourrir d'obsessions claustrophobiques et névrotiques alors qu'on a souvent, dans une circonstance similaire, tendance à parler de libération ou d'épanouissement. "Blues Funeral" va donc s'avérer être une nouvelle plongée des des arcanes où le gris côtoie le noir et où même un air de danse (Ode To Sad Disco) va, lui, ne pas faire mentir son titre et délivrer, sur une rythmique électro, un climat de désenchantement plutôt que cet hédonisme propre aux « dance-floors ». Posé ce postulat, il ne fait pas pour autant parler de rituel ; Lannegan se trouve aujourd'hui dans une situation propre à plus d'ambitions. Sa voix est devenue encore plus grave, comme enfumée et son phrasé semble se fondre à merveille avec les circonvolutions de titres aussi révélateurs que The Gravedigger's Song ou Gray Goes Black. Sur ces élégies (St Louis Elegy) le vocaliste est capable alors de broder des litanies presque « bluesy » justement dans des complaintes comme Bleeding Muddy Water ou Phantasmagoria Blues. Il est, en outre, même capable d' exercer ses talents de rocker comme sur un Riot In My House d'où émerge la guitare de Josh Homme ou le tétanique et tétanifiant Quiver Syndrome. Un grain de voix plus profond, exerçant alors un plus grand pouvoir de menace, l'exemplaire Leviathan, profonde avancée mortuaire, il est aisé alors de se couler dans le monde de l'aliénation :les merveilleux et entraînants arpèges de guitare sur Harborview Hospital repris plus loin par une implacable incursion dans le le royaume des années 80 façon Stranglers sur Tiny Grain Of Truth. L'univers poétique de Lannegan est donc toujours là ; simplement, il n'est plus auréolé de ce folk blues qui était la pierre angulaire de Screaming Trees. Finalement, en s'extrayant de son groupe initial, le chanteur a accompli un affranchissement plus que fondamental dans la mesure où il résonne aujourd'hui musicalement plutôt que thématiquement. Sans perdre de sa vision, Lanegan explore alors des territoires mélodiques inusités pour lui ; c'est la marque des véritables artistes que de savoir évoluer tout en ne se fourvoyant pas dans des démarches contre nature. Et "Blues Funeral" en apporte une nouvelle fois la preuve !

Tinariwen - Tassili

Wed, 15 Feb 2012

Le parcours discographique de Tinariwen semé de mantras répétitifs et de chansons traditionnelles ou moins traditionnelles, centrés sur les guitares et leur intelligence, leur âme, et des textes se débattant pour la vie ; une forme de blues. Ce à quoi vous vous attendriez, avec la petite flamme en plus, lorsqu’on vous dit qu’il s’agit de musique du désert, comme un dialogue avec le désert mais pas seulement. Tinariwen avaient été auparavant les poètes d’une génération en guerre, et existent aujourd’hui depuis presque un quart de siècle. Depuis 2001 et leur tentative de documenter leurs concerts fiévreux, avec "The Radio Tisda Sessions", ils ont aussi su séduire le monde occidental en adressant de grands thèmes et en s’armant de slogans pleins de puissance vitale. "Aman Iman", l’album qui les a le plus amplement révélés en 2007, signifiait ‘l’eau c’est la vie’.

Sur "Aman Iman", Tinariwen enregistrait pour la seconde fois dans un studio à Bamako. « En ville, je me sens cerné par les murs », confiait Ibrahim Ag Alhabib à Mojo Magazine en 2009, lors du superbe reportage que fit le magazine anglais à la parution de "Imidiwan : Companions". Ibrahim Ag Alhabib a parfois des difficultés à accepter la façon dont sonnent Amassakoul et Aman Iman, capturé dans le confinement. « Dans le désert, c’est là que je suis libre et que les guitares produisent le son que je souhaite. » Par désert il entend le sud de l’Algérie, avec une affection particulière pour Tassili n’Ajjer, une région aux paysages incroyables. Ce fut un une zone de transition des forces armées entre les camps de réfugiés Lybiens et le nord du mali. Cette terre elle révèle dans des grottes, sur les rochers, les vestiges peints de civilisations anciennes de 8000 à 1700 ans en arrière, laissant deviner des religions, des civilisations perdues. Ces rochers et ces voyageurs disparus sont autant de personnages avec qui Ag Alhabib et son groupe communient. Ils utilisent les rochers et le vent pour susciter les tonalités présentes sur leurs albums, d’o� quelques séances surréalistes les voyant, amplis branchés sur générateur, enregistrer au pied d’amas géologiques à l’appel millénaire.

Trois semaines à la fin de 2010, le groupe s’est rassemblé dans une tente avec leur producteur de longue date, Jean-Paul Romann, pour recommencer avec la même motivation qui les a fait entendre, déjà dix ans auparavant. IIs sont six sur la pochette, avec Ibrahim au centre, mais il y manque les contributeurs occasionnels et notamment Abdallah Ag Alhabib, qui amena le groupe en tournée lorsque son frère, Ibrahim s’y refusa ; et à qui on doit l’un des plus beaux morceaux de l’album, caché à la fin du dernier titre et enregistré après tout le reste. Y sont aussi absents des admirateurs New Yorkais et chanteurs de talent, Kyp Malone et Tunde Adebimpe, membres de Tv on The Radio. Ceux-ci avaient tâté le terrain en avril 2010, et cela s’est si bien passé qu’ils sont revenus prendre le rythme de vie nomade pendant une semaine. Tenere Taqquim Tossam, peut-être le morceau le plus accrocheur de l’album, profite de leurs chœurs sur le refrain – en anglais. « Water is life and soul/To all my brothers i say, the desert is jealous.” Et “Why can’t you see ? You are a treasure/I’ve seen the world, I love you better.” Adebimpe embrasse la plus grande sincérité du désert comme il chantait l’amour sur Keep Your Heart, You et Will Do, les meilleures chansons de Nine Types of Light (2011). Ailleurs, la langue arabe apporte une mélancolie et une profondeur supplémentaire, nous appelant à méditer. Plus surprenante est la participation du Dirty Dozen Brass Band, mythique ensemble de cuivres de La Nouvelle-Orléans, dont la retenue évite de dénaturer le son de Tinariwen. Et il y a aussi le guitariste Nel Cline (Wilco), sur Imidiwan Ma Tennam, pour un effet tempête de sable.

"Tassili" paraît dans un contexte plus difficile qu’Aman Iman. Au manque d’eau, qui tue leur bétail et menace leurs fermes, s’ajoute le vol de leurs terres pour des raisons commerciales et surtout la menace des Islamistes, car Al Qaeda s’installe et sa doctrine étrangère y trouve un terrain fertile, bouleversant les cultures locales. "Tassili" est aussi, délibérément, moins varié que son prédécesseur ; la section rythmique constituée du bassiste Eyadou Ag Leche et du guitariste Elaga Ag Hamid ancrent l’album dans l’action. "Tassili" est sous-tendu d’un combat qui sourd, au détour des plaintes et des lamentations, et révèle la façon dont Tinariwen perpétue un sens historique, une mémoire, en les plaçant en tête d’une génération de groupes Touaregs s’étant levés dans leur sillage.

Yeti Lane - The Echo Show

Tue, 14 Feb 2012

On avait laissé Yeti Lane sur un EP plein de promesses et de compositions psychédéliques, avec beaucoup de synthétiseurs qui reproduisaient par moment l’ambiance analogique de certains disques des années 70, et cela malgré le départ de leur claviériste. Un paradoxe qui a vu le groupe partir chercher l’inspiration dans quelques disques de Krautrock, la pochette de leur nouvel album, "The Echo Show", n’étant pas sans rappeler celle du "Trans-Europe-Express" de Kraftwerk. Pour autant, "The Echo Show" ne part pas aussi loin que certains disques rétro qui évoquent la « Kosmische muzik » des années 70. Non, Yeti Lane choisit plutôt d’actualiser les claviers vaporeux pour un rock d’inspiration 90’s. On n’est alors pas trop surpris de retrouver une similitude avec Grandaddy sur l’inaugural Analog Wheel. Et c'est vraiment bon à écouter. Ca continue comme ça sur tout l’album, avant de se refermer sur les six minutes et quarante-huit secondes de Faded Spectrum, qui se termine sur un immense jam distordu, psychédélique nous laissant les oreilles dans un profond coma lysergique. D'ailleurs la réussite de cet album tient plus au duo dans sa façon de vouloir tutoyer sans trop de difficulté "Sophtware Slump" que dans le recherche de psychédélisme pur, même si en étirant ses titres, Yeti Lane se place dans un registre parfois planant (Alba). Quelques intermèdes viennent ponctuer cet album (-, --, ---, ----) et on se dit alors que, décidément, le label Clapping Music mériterait d'être mieux connu, ne serait-ce que pour tout ces groupes français qu'il déniche depuis déjà de nombreuses années. Yeti Lane réussit donc le difficile passage du deuxième album. On attend donc la suite impatiemment en repensant au concert de l’autre soir, quand on les a vu aux Mains d’Oeuvres dans le cadre du Festival Mo’Fo. On se dit que finalement qu’il y a une vie après Cyann & Ben …

Nada Surf - The Stars Are Indifferent to Astronomy

Mon, 13 Feb 2012

"Tiens, je pensais que REM s'étaient séparés! "; ainsi pourrait être la réflexion initiale à l'écoute du morceau d'ouverture de de "The Stars Are Indifferent To Astronomy", Clear Eye Clouded Mind, même si celui-ci est plus proche de "Accelerate" que des refrains pastoraux de "Out of Time". C'est bien alors le mérite d'un groupe comme Nada Surf que de célébrer son 20ème anniversaire par un disque souhaitant transcender certains schémas ou influences trop voyantes. Sachant qu'il s'agit de leur premier opus de compositions originales depuis "Lucky" en 2008, on se doit de louer un effort qui ne veut pas nous laisser sur la faim d'un disques de reprises ("If I Had A Hi-Fi") et d'un live, tous deux sortis en 2010. Dire que le combo a changé serait exagéré; on retrouve toujours la même voix délicate de Matthew Caws comme si les années n'avaient pas de prise sur elle et que le répertoire de Nada Surf restait invariablement fixé à ces refrains power pop (Waiting For Something ou The Moon Is Calling) propres à véhiculer une éternelle verve adolescente. C'est pourtant à l'aulne de ce qu'il souhaite aujourd'hui faire transparaître qu'il convient de jauger le disque et, à cet égard, il est, ne serait-ce que par son titre, révélateur d'une certaine gravité. Des titres comme le mélancolique When I Was Young ou le plus enlevé Teenage Dreams sonnent ainsi comme si Nada Surf souhaiter tirer un trait sur une certaine insouciance. No Snow on the Mountains enfonce le clou de cette atmosphère de désenchantement et la même désillusion semble traverser un Jules and Jim même si, et c'est là que l'on retrouve un des travers du groupe, un certain manque d'originalité dans les compositions se manifeste. Bien sûr Let the Fight Do The Fighting s'efforce d'attaquer la problématique de la résignation de façon abrupte mais, le plus souvent, il s'agit d'artifices plutôt que d'une preuve de véritable richesse mélodique. On a souvent considéré que c'était les textes qui posaient problème à Nada Surf. Sur "The Stars Are Indifferent To Astronomy" il y a une réelle volonté de s'affranchir de refrains directs et simplistes mais, quelque part, le trio semble avoir troqué pour autre chose une inspiration qui lui faisait déjà défaut depuis plusieurs années. L'album live et "If I Had A Hi-Fi" étaient en effet symptomatiques d'une certaine stagnation si on les compare à l'excellent "Lucky" et il semblerait que, si resourçage et maturation il y a, cela se soit fait au détriment de l'écriture mélodique. Reste alors un album de rock plus ou moins indé, agréable et écouter, mais dont on ne peut dire qu'il soit traversé par des éclairs propres à susciter une coup de coeur ou des titres qui en surnageraient. Constance donc dans l'humeur douce-amère, éclairée parfois par quelques riffs de guitares plus acérés, on comprendra ce choix puisque l'album se veut une réflexion plutôt mélancolique sur l'indifférence du Temps par rapport à nos vies individuelles; on optera néanmoins pour constater que, si nostalgie il y a, ce sera pour cette période où Nada Surf se montrait plus prolixe dans l'éclectisme comme sur "The Proximity Effect" ou "Let Go", bref pour un retour vers de plus belles années.

Violent Femmes - s/t

Sun, 12 Feb 2012

La jeune histoire du rock et plus généralement l'histoire de la musique populaire depuis cinquante ou soixante ans montrent clairement la formidable capacité d'assimilation, d'absorption, pourrait-on écrire, des artistes qui n'hésitent pas à s'approprier l'héritage de leur prédécesseurs pour construire leur œuvre. Ainsi il serait possible de mesurer l'importance d'un groupe à l'aune de la fréquence à laquelle on ressent son influence dans tel ou tel album, dans telle ou telle chanson… En appliquant une mesure systématique de ce type, nul doute que les Violent Femmes apparaitraient en bonne place dans le peloton de tête des vénérables aînés de tout un pan du rock indépendant (principalement américain). Moins considérés en France que certains de leurs contemporains, les Violent Femmes sont trop souvent résumés sous nos latitudes à une influence majeure de Louise Attaque - dont Gordon Gano a été le producteur. Avec tout le respect que l'on doit au groupe de Gaëtan Roussel et si l'on ne peut nier l'importance au moins commerciale de Louise Attaque dans le paysage rock français, c'est tout de même un rien réducteur. Parmi d'autres citations notables, on retient des apparitions récurrentes dans la série "How I Met Your Mother" où deux personnages font de Good Feeling la chanson officielle de leur couple. Enfin le titre Gone Daddy Gone est en général plus connu chez nous dans la version electro-soul des Gnarls Barkley. Bref, si le groupe est fréquemment cité, son legs semble dissous dans un mainstream un rien tiédasse. Il faut peut-être y voir la conséquence d'une discographie très inégale et surtout en baisse quasi-constante depuis leur premier album platiné et canonisé. L'écoute de ce mythique premier essai peut donner d'autres pistes d'explication : se pourrait-il que même ce manifeste ait été un rien surestimé ? Première observation : le son paraît étriqué, sans ampleur, la faute peut-être à un pressage CD de médiocre qualité, peut-être également à une production dans les standards college-rock de l'époque, avec un accent marqué sur les aigus et des basses peu présentes (malgré l'activité effrénée de Brian Ritchie, les lignes de basse sont en général marquées par un son sec, plus claquant que rond). Après tout, on retrouve certainement ici le son des eighties, c'est ça - et l'on peut ressentir des impressions similaires à l'écoute des disques de Hüsker Dü ou des Replacements. Le style ensuite : les Violent Femmes ont souvent été considérés comme les parangons d'un style qu'ils ont défini à eux seuls, un mélange de folk et de rage issue du punk. Punk, cet album l'est bien plus dans l'esprit que dans la lettre, bien plus dans son approche brute de décoffrage, souvent approximative et brouillonne (écouter par exemple le passage final de Add It Up) que dans la composition. Les chansons des Femmes sont rythmées, énergiques mais n'ont en rien la violence caractéristique du punk. En revanche, cette sobriété dans l'habillage musical, cette économie de moyens sensible dans la production, cette nervosité dans l'interprétation donnent à l'album un sentiment d'urgence qui dérive bien de l'esprit punk. Clé de voute de cet édifice, la voix de Gordon Gano, nasillarde, un peu pincée, crispée par moments, contribue à l'impression artisanale que le disque renvoie, avec parfois d'étranges accents de Talking Heads qui auraient délaissé la ville. Même si le style pratiqué et l'esprit en sont très éloignés, on pense aussi au Velvet, référence indépassable des prêcheurs du "Do It Yourself". A l'arrivée, que reste-t-il des Violent Femmes ? Ce premier album demeure globalement un excellent disque, c'est indéniable, marqué par un niveau d'écriture rare. Pourtant on hésiterait avant de le répertorier parmi les rares classiques des années 80 ; malgré ses qualités, avec près de 30 ans de recul, il ressemble plutôt un coup d'éclat isolé, loin de jouir d'une descendance aussi riche que les œuvres d'autres grands noms du rock indépendant américain de l'époque, de Sonic Youth à R.E.M. en passant par Hüsker Dü ou les Replacements.

Dead Skeletons - Dead Magick

Sat, 11 Feb 2012

"Dead Magick", le premier album de Dead Skeletons, n'a pas grand chose en commun avec ce que l'on a pris l'habitude de voir débarquer de la lointaine Reykjavik depuis une vingtaine d'années. A la manière de son voisin suédois, l'Islande s'est en effet invité à la table des nations majeures de l'indie depuis l'apparition des Sugarcubes d'une certaine Björk Guðmundsdóttir à la fin des années 80. Depuis, les Sigur Ros, FM Belfast, Seabear, Gus Gus et autre Hjaltalin ont permis à l'Islande d'exister sur l'échiquier mondial autrement que par la sévère crise économique qui a frappée le pays en 2008 ou par l'existence d'un volcan au nom imprononçable dont le nom était sur toutes le lèvres (en tout cas tentait de l'être) suite à son éruption et à la paralysie de l'espace aérien. Contrairement à leurs illustres prédécesseurs passés maîtres dans l'art de pousser la « pop » dans ses derniers retranchements, les Dead Skeletons ont choisi une voie plus « classique », plus rock, plus sombre aussi. Du rock à guitares, noir et psychédélique, très proche de ce qui est apparu en Allemagne à la fin des années 60 et que l'on a appelé krautrock. L'album se découpe en 2 parties distinctes composées de 6 titres chacune et d'une moyenne de 5 minutes par titre. Il est donc bien ici question de rock progressif, d'ambiances atmosphériques, à l'image des presque 9 minutes de l'introductif Dead Mantra, sorte de transe chamanique évoquant à la fois les Cramps, Suicide ou bien Spacemen 3. Contrairement à ce que pourrait, peut-être, laisser croire ces références, l'album est assez facile d'accès et comporte une ribambelle de titres accrocheurs, fonctionnant à plein grâce à leurs rythmes répétitifs et accrocheurs (Om Mani Peme Hung ; Kingdom of God ; When The Sun Comes Up). La première partie de l'album, plus rock psyché, fait place à une deuxième partie tout aussi mystique mais évoluant dans un registre évoquant plutôt la noirceur du post-punk et de la cold-wave. Bref une franche réussite que l'on doit à ce trio découvert par un certain Anton Newcombe (tête pensante et à claques de Brian Jonestown Massacre) qui les a fait signer sur son label après avoir collaboré à leur premier EP.