indiepoprock.fr - chroniques de disques

Holter (Julia) - Tragedy

Fri, 03 Feb 2012

La musique �l�giaque de la jeune am�ricaine Julianna Barwick, constitu�e enti�rement de ch�urs, a marqu� les esprits en 2011. Julia Holter n'est pas tr�s loin, par moments, d'utiliser la m�me palette organique. M�langeant instruments acoustiques, et quantit� de synth�tiseurs, "Tragedy" est un album complexe, mais p�n�trant. Il y a du Scott Walker circa "Tilt" (1995) sur cet extraordinaire Interlude, et la po�sie infiniment m�lancolique de Max Richter (telle qu'on a pu l'entendre sur Infra en 2009), par touches �a et l�; certains y entendent le son de This Mortal Coil ou Laurie Anderson. The Falling Age fait venir � l'esprit les productions de David Lynch et Antonio Bandalamenti pour Julee Cruise sur "Floating into the Night" (1989)�: Cruise captur�e pour l'�ternit� dans la gaze narcotique orchestr�e par le cin�aste. Ce n'est pas seulement la musique, mais la voix claire, lointaine et lente de Holter qui reproduit ce flottement dans la nuit. Avec plus de libert�; il n'y a pas ici de morceaux pop, mais une trame en mouvement incessant, riche d'harmonies et a�rienne. � d�faut d'�tre heureux, le disque est agr�able, comme une profonde inspiration. Julia Holter ne donnera jamais compl�tement les ingr�dients de l'exp�rimentation de "Tragedy". Elle��y joue tous les instruments elle-m�me, � l'exception de quelques interventions de saxophone. Beaucoup de sons ont �t� astucieusement transfigur�s par la magie �lectronique, travaill�s avec l'aust�rit� et la m�ticulosit� inspir�e des compositeurs de musique contemporaine. Le processus de mixage devient l'�quivalent d'un travail d'orchestration. Celui de Tragedy Finale, qui comporte une multitude de voix entrem�l�es avec une gr�ce stup�fiante � dont la sienne, transform�e pour ressembler � celle d'un homme - a demand� un mois d'ouvrage. Bas� sur une "Hippolyte", la pi�ce mill�naire d'Euripide, "Tragedy" d�ploie ses limites narratives dans une grande vari�t� de go�ts, de visions, produisant une �uvre � la cartographie foisonnante qui ne cesse de se d�ployer dans nos t�tes. Ce n'est pas un disque de chansons, mais d'images cin�matiques, de fondus encha�n�s o� l'on passe d'un ressenti � un autre. Il d�crit la fa�on dont certaines situations affectent les esprits de diff�rents personnages, dans un climat d'�vanescence triomphante. ��Je n'ai pas choisi d'utiliser la pi�ce pour une autre raison que parce j'ai aim� les situations dont que j'ai observ�es et les �motions qui ont gagn� les personnages��, commente Julia Holter interview�e sur le site Euterpe's Notebook. La musicienne se pose ainsi comme simple t�moin. La forme d�sincarn�e permet d'�chapper � toute notion temporelle et spatiale, ce qui est une belle id�e lorsqu'on s'inspire d'une pi�ce vieille de plus de 2000 ans. Les paroles sont souvent directement emprunt�es � la pi�ce. Les voix �changent entre elles, les esprits sont anim�s de conversations. Les �motions s'�tirent, s'approfondissent pendant plusieurs minutes. L'amalgame des �l�ments cr�e une musique comme un voile �th�r�. "Tragedy" se construit dans une succession d'artifices si naturellement amen�s qu'ils chassent toute id�e de concept ou de style.

Van Etten (Sharon) - Tramp

Thu, 02 Feb 2012

A la sortie de son premier album, "Because i Was in Love" (2009), Sharon Van Etten a �t�, comme de tradition, compar�e un peu paresseusement � d'autres chanteuses de sa g�n�ration. � Des artistes telles qu'Alela Diane, Marissa Nadler, Jana Hunter et Mariee Sioux, ont produit de la musique de qualit� avec une belle constance, et ont plac� un standard assez haut pour ce soit difficile de s'aligner lorsqu'on d�bute. Pourtant, sur son premier album, la chanteuse de Brooklyn Sharon Van Etten prouve qu'elle a l'expressivit� et les qualit�s d'�criture pour soutenir le pas de ses compagnes. � Comme Marissa Nadler, c'est vrai, Sharon Van Etten adresse des sujets biographiques avec une part �gale d'assurance et d'�tranget�. Sa voix est aussi extraordinaire que celle de Nadler ; l�thargique, large de spectre, avec quelque chose d'ancien, de gothique. Comme tant de jeunes auteures de chansons, Van Etten a commenc� par �voquer ses prises avec le sentiment amoureux � il y a trois ans encore, elle semblait si peu consciente du choix de ses mots. Aujourd'hui, il suffit d'�couter Serpents, interpr�tation qui guide Van Etten vers une nouvelle intensit�, pour comprendre que cette �poque est r�volue : � Tu aimes t'accrocher � tes r�ves �, ass�ne-t-elle. Van Etten d�crivait sur "Because i Was in Love" la pl�nitude comme une chose na�ve : � mon orteil touche heurte l�g�rement le tien/ton pied fr�le ma cheville en retour/je n'ai pas besoin de beaucoup plus que �a. �. Sous ses airs de songe doux-amer, "Tramp" est tremp� de nouvelles r�alit�s, profite d'une conscience accrue du point de vue de l'�criture et dessine un environnement en expansion �motionnelle constante. Van Etten a v�cu pendant 14 mois sans r�el domicile (d'o� le nom, 'clochard' du disque), d�m�nageant ses possessions au rythme des sessions d'enregistrement, et ne se retrouvant nulle part avec plus de r�gularit� que dans le garage de Aaron Dessner, des New-Yorkais The National, qui a produit le disque. Son pr�c�dent "Epic" (2009) n'�tait pas encore paru qu'elle �crivait d�j� celui-ci. Longuement matur� avec la cr�me de Brooklyn, de Julianna Barwick � Matt Barrock (batteur de The Walkmen) et Zach Condon (Beirut) ou Jenn Wasner (Wye Oak) l'album est entre folk urbain et classicisme envo�tant. Van Etten semble se d�battre avec sa propre d�votion, sa r�v�rence, ses doutes, et prendre le dessus. "It's bad to believe in any song you sing,� chante-t-elle sur I'm Wrong, d'une fa�on trop expansive pour qu'il s'agisse d'une simple confession. Le morceau s'�l�ve avec une puret� transcendantale. Les m�lodies vocales superbes, languissantes (Give Out, Leonard, All I Can) et les refrains saisissants � We got to loose sometimes � sur We Are Fine - annoncent un triomphe intime, �mancipent la chanteuse d'une domesticit� dont les tenants et aboutissants se dessinent peu � peu, dans la confidence.

Jah Wobble et Julie Campbell - Psychic Life

Wed, 01 Feb 2012

Les Britanniques Jah Wobble et Julie Campbell ont une vingtaine d'ann�es d'�cart d'�ge. Jah Wobble (ou John Wardle), poursuivit une carri�re solo de tr�s bonne tenue, s'attirant les collaborations percutantes, de John Lydon (Johnny Rotten des Sex Pistols) � Sinnead O'Connor, de membres du groupe krautrock allemand Can � The Edge (U2). Vers la fin des ann�es 80, il commence � �couter de la musique d'Afrique du Nord, d'Europe de l'Est ou d'Asie de Sud-Est, et fonde Invaders of the Heart, un projet exp�rimental. L'exploration incessante de confins sonores devient alors la raison d'�tre de l'artiste. Il fonde son propre label dans les ann�es 1990 et travaille dans le m�me esprit que le plus jeune Damon Albarn (Blur). Il finit par s'attaquer au jazz en 2011, en enregistrant avec son Modern Jazz Ensemble un disque hommage � ses h�ros. Campbell �tait � peine n�e lorsque le groupe postpunk Public Image LTD fit para�tre le percussif et violent Metal Box (1979), disque sophistiqu� et parfait exemple de la fa�on dont la musique punk se transformait gr�ce � l'exploration de nouvelles possibilit�s cr�atives. De cette musique, Campbell appr�ciait sans doute l'ambition de transformer une musique brute en exp�rience sollicitant tous les sens de l'auditeur. Le plus important de ces sens : le besoin qu'a cet auditeur de vivre la musique en la dansant. C'est ce qui fait qu'un jour dans le pass�, et encore dans l'avenir, le postpunk et le disco formeront des chansons de la trempe de celles que contient "Psychic Life". Sur "Metal Box", les lignes de basse terribles �taient l'�uvre de Wobble. Le d�but de sa carri�re, en 2004, avec sa seule guitare et un enregistreur 4-pistes, vit la gen�se d'un son cru et pourtant atmosph�rique. Six ans plus tard, la jeune�auteure, chanteuse�et guitariste de Manchester connue sous le pseusdonyme Lonelady �largit le public de ses premiers singles avec l'album "Nerve Up" (2010) qui refl�tait la sensibilit� de groupes post-punk locaux tels que les Buzzcocks. Lonelady y faisait preuve de d�tachement, plong�e dans une m�ditation musicale donnant voix � des inspirations telles que Public Image. L'angularit� et la tension de sa musique rappelaient la production des labels Factory ou 4AD dans leurs �ges d'or. Mais c'�tait une musique sans cesse sur la br�che, en questionnement. Intense, Julie Campbell tra�ait avec pouvoir hypnotique et autorit� une ligne entre guitares et pop �lectronique d�pouill�e. R�unis par Steve Beckett, le parton de Warp, le label Londonien sur lequel "Nerve Up" est paru, les deux musiciens se sont trouv�s une vision commune, et des humeurs � partager. Avant la naissance de Psychic Life, Wobble en �tait au stade o�, apr�s 15 ans d'avant-garde, il souhaitait renouer avec certains des �l�ments rock qu'il avait abandonn�s. Pour cela il fallait passer par le guitariste de Public Image LTD (et pour un temps des Clash), Keith Levene, et sa p�dale d'effets FX. Son apparition sur deux morceaux du disque est l� pour parfaire un album tr�s soign�, pens� en osmose, et r�sultat d'une inspiration �tonnante. Son efficacit� concise, la qualit� de ses m�lodies, la profondeur de ses arrangements ainsi que l'utilisation d'�l�ments faits pour s�duire le corps autant que l'esprit, tel le rythme hip-hop solide du morceau-titre, devraient asseoir la popularit� des musiciens co-cr�dit�s, sans barri�re g�n�rationnelle. Pour ceux qui connaissent Wobble depuis longtemps, ils appr�cieront la fa�on dont il fait l'acrobate autour de structures contemporaines inspir�es du krautrock, de la disco, du dub voire de la house music pour Tightrope, le premier extrait de l'album. Le temps d'arriver sur la plus abstraite Phantasms Rise, et le style change, la trame est lancinante et pleine d'asp�rit�s m�ticuleuses. Apr�s Feel, une autre chanson � l'interpr�tation d�tach�e et � l'ambiance glaciale, Slavetown (s�quenc�e en deux parties) apporte une belle sensualit�, non sans rappeler le funk asexu� de Prince. Campbell y questionne la sensation d'enfermement que lui procure Manchester. La 'vie psychique' �voqu�e pourrait �tre cette bataille, tout � la fois mentale et physique, contre l'envie de s'�chapper de son carcan de vie. En fracture avec son environnement, elle fait un album sur le sentiment, ou son manque. Pour Wobble, Psychic Life n'est qu'un nouveau produit de ses talents visionnaires et son besoin de renouvellement constant ; alors qu'il avait simplement trouv� dans la voix de Campbell l'�l�ment qui lui permettrait d'atteindre une nouvelle pl�nitude musicale,�celle-ci a une inspiration assez puissante pour faire de cet album une �uvre psychique � la hauteur de son titre.

Perfume Genius - Put Your Back N 2 It

Mon, 30 Jan 2012

Pour son album précédent, Mike Hadreas sous le nom de plume de Perfume Genius, avait choisi d'enregistrer de façon chronologique, au fur et à mesure où ses compositions prenaient forme. Par rapport à celui-ci, "Put Your Back N 2 It" s'avère beaucoup plus travaillé et versatile en matière d'inspiration. En effet, et même si la plupart des compositions sont construites autour du piano, Hadreas est parvenu à utiliser toute la richesse que cet instrument pouvait conférer. La dissonnance est ainsi présente sur un morceau comme Awol Marine, distillant ainsi une fine couche d'étrangeté et d'inquiétude, tout comme Normal Song s'avére être une berceuse chaloupée sous les délicats arpèges du piano. Un titre comme No Tear introduit des percussions ahanantes étoffant l'ensemble pour lui donner une aura de « slave song » (Hadreas se réclame de la « soul » à la Otis Redding) et un morceau comme comme Take Me Home sait, avec intelligence, allier climat road-song et atmosphère liturgique. Le tout reste, néanmoins, emprunt de cette démarche qui perdure chez le chanteur ; un mélange d'honnêteté, de fragilité voire de gracilité, le tout étayé par une voix androgyne qui parvient parfois, pourtant, à s'élever vers plus de gutturalité quand il est question d'imprimer de la masculinité (No Tear). Tristesse et mélancolie sont donc de rigueur mais, plutôt que de lasser, les diverses composantes musicales sous lesquelles elles sont narrées musicalement permettent d'en explorer les multiples facettes (l'étonnante versatilité de Hood). Si la thématique reste centrée sur le spleen elle se conjugue, pourtant aussi à l'espoir. Celui-ci se révèle avec un Sister Song où foi semble perdurer en la famille et, de façon plus affirmée, avec Put Your Back N 2 It où le vocaliste affirme avec énergie et vigueur qu'il est dans un processus de remise en selle. Si l'on ajoute qu'il a su s'entourer de John Goodmanson, producteur de Los Campesinos!, pour lui apporter cette profondeur assertive, on comprendra alors que cet album n'est pas à considérer comme une énième évocation de la vulnérabilité et de la précarité des émotions, mais plutôt comme un moyen de se saisir de ce qui est ancré dans la chair ou à fleur de peau pour en faire un hymne à la reconstruction et à la résilience qui peuvent animer les plus sensibles et les plus délicats.

Stuck In The Sound - Pursuit

Sun, 29 Jan 2012

10 ans d’existence, des centaines de concerts, Stuck in the sound sort enfin son troisième album. Oui, déjà 10 ans depuis le tube Toyboy qui a fait connaitre ces parisiens biberonnés aux Pixies et à Pavement. Le sulfureux Brother (avec son beat à la Mickael Jackson, son chant haut perché et ses guitares bavardes) annonce la couleur dès l’intro de l’album: "Pursuit" a la pêche de ses prédécesseurs et la maturité décennale. Stuck in the Sound conserve son style bien particulier : un chant (Jose Ries Fonto) touche à tout sur des déflagrations de guitares, comme sur l’aérien Brandrupcy (avec son final orgasmique) ou sur le percutant Let’s Go. Pour l’enregistrement, les parisiens se sont fabriqués leur propre studio à Montreuil et confié les manettes à Romain Della Valle, fidèle ingé son depuis "Nevermind the living dead", qui a su mettre en lumière la puissance des compos. Les parisiens ont pris de l’assurance et de la maturité au point de pondre 13 tubes potentiels. Les parisiens s’aventurent prudemment sur le terrain des mélodies déchirantes (Tender), prétextes à de belles progressions pop (l’envoutant Criminal et son chant haut perché). Certes, on pourrait leur reprocher de ne pas avoir pris trop de risques par rapport à leurs premiers opus, mais malgré un style bien marqué, "Pursuit" est très hétérogène et frais. Une fraicheur que le groupe explique simplement par l’envie de se faire plaisir, comme Fred Mercure, avec son refrain dithyrambique et ses guitares bavardes qui rappellent l’excitation des premiers Libertines. Avec ce convaincant "Pursuit", Stuck in the sound passe le cap du troisième album avec une profession de foi réussie qui pourrait bien leur en remettre pour 10 ans.

Tellison - The Wages of Fear

Fri, 27 Jan 2012

Existe-t-il encore un créneau pour ce qu'on a nommé le rock lyrique et aussi l'emo rock ? Les Londoniens de Tellison semblent le croire puisque, quatre ans après leur premier album "Contact ! Contact !", les voilà de retour avec un "The Wages of Fear" qui accentue leur démarche (refrains déclamatoires et phrasés gorgés d'émotivité) mais aussi la peaufine dans la mesure où le groupe a choisi d'orchestrer ses compositions de manière plus nuancée. Tout démarre donc avec un Get On introduit par de doux accords de piano avant que le titre ne s'élève à grands renforts de cymbales fracassantes et d'un rendu vocal du chanteur Stephen Davidson plein d'assurance voire de morgue. Emballement et énergie donc, comme sur Say Silence (Heaven & Earth) ou Collarbone mais le groupe sait également ménager des pauses mélodiques comme sur Know Thy Foe. Ce qui est, pourtant, notable dans cet album et l'éloigne de l'habituelle alternance « rockers » (Letters From Pre-Med)/ ballades (Edith), est la faculté de Tellison à vouloir parsemer "The Wages of Fear" de pauses qui s'écartent de ce schéma préétabli. Rapture et un Tell It To The Tribes presque tribal parcourent ainsi des territoires plus sombres et graves et Freud Links The Teeth And The Heart (quel titre!) conjugue tendresse presque mielleuse subvertie par de légères touches d'ironie. Celle-ci se transforme presque en humeur noire quand s'achève le disque avec un My Wife's Grave Is In Paris où, là encore, un délicat sarcasme contrebalance ce qui pourrait être vu comme une pierre de plus jetée dans le jardin du larmoyant. "The Wages of Fear" n'est, certes pas, renversant ; y manque cette qualité à composer des titres pop véritablement instantanés, mais il est soigneusement mis en place et ne mégote pas un enthousiasme fréquemment contagieux.

First Aid Kit - The Lion's Roar

Wed, 25 Jan 2012

Bien que Suédoises, les deux sœurs, Johana et Klara Sodernberg, s'emploient avec beaucoup de constance à délivrer une musique faite de folk automnal et surtout d'Americana mélancolique qui trouve ses racines dans les années soixante, à la manière de leur compatriote Anna Terheim. Leur disque précédent, "The Big Black & Blue" souffrait d'une production parcimonieuse, de schémas répétitifs un peu trop appuyés et, lyriquement, de ce décalage qu'il pouvait y avoir entre leur jeune âge (elles avaient 20 et 17 ans à l'époque) et une narration qui voulait explorer des émotions plus matures. Changement radical sur "The Lion's Roar" puisque Mike Mogis (de Bright Eyes) est aux manettes et son apport permet aux deux sœurs d'embrasser enfin des univers plus diversifiés. Il est vrai, qu'entretemps, elles ont collaboré avec les Fleet Foxes et Jack White, éléments de parrainage on ne peut plus idéaux. L'heure est donc à une plus grande mise en avant de soi, et cela s'entend dès l'ouverture avec un Lion's Roar affirmé et presque rugissant (sic!) ou un Blue dont la tonalité pop, toute nouvelle chez elles, montre que les chanteuses osent, enfin, égayer leur répertoire d'humeurs plus enlevées. La même démarche, dans un registre différent, accompagnera ainsi King of the World avec ses mariachis et ses cuivres qui ne sont pas sans évoquer Calexico. Même un Emmylou, chanson douce-amère hommage à Emmylou Harris, Johnny Cash et June Parker, est plus qu'une évocation de leurs racines musicales tant les harmonies vocales entremêlées rivalisent de dextérité. On retrouvera d'ailleurs bien sûr ces changements de voix tout au long de l'album (la douce rêverie de In The Hearts Of Men par exemple ou un This Old Routine qui semble issu des longs hivers scandinaves) mais les acoustiques seront plus luxuriantes ; ainsi I Found A Way impliquera une volonté de s'extirper de schémas trop typés comme si les sœurs Soderberg avaient trouvé une nouvelle force depuis leur disque précédent. Dance To Another Tune semble en être une profession de foi à l'instar de New Year's Eve qu'on peut assimiler à une préfiguration de choses en devenir. Entre les troubadours féminins que Fist Aid Kit pourraient être et des croquis plus aventureux ; le duo esquisse une petite symphonie faite à la fois de délicatesse ajourée et d'assertion de plus en plus affirmée.

Dakota Suite - The Side Of Her Inexhaustible Heart

Tue, 24 Jan 2012

Ca fait déjà plus d’une dizaine d’années que Chris Hooson trimballe sa mélancolie au gré d’une discographie de toute beauté dont l’unique but semble focalisé sur l’essence même de l’épure. « The Side Of Her Inexhaustible Heart » est le nouvel album de Dakota Suite, il a été composé avec le pianiste Quentin Sirjacq, c’est un hommage pour la femme de Hooson, Johanna, et il contient la bande-son idéale pour de longs dimanches d’hiver. Les compositions de « The Side Of Her Inexhaustible Heart » sont d’une belle simplicité, ici une note de piano, quelques cordes, là une guitare acoustique et parfois la voix troublante de Chris Hooson, cette voix qui n’est pas loin de celle de Mark Kozelek par instant. C’est beau, c’est intense et c’est aussi un éloge de la lenteur, mais si l’on se réserve les bons moments pour l’écouter, idéalement le soir, « The Side Of Her Inexhaustible Heart » se révèle progressivement à nos oreilles, et cela en naviguant au gré de ces morceaux qui forment un tout, une pièce musicale pour un grand moment de mélancolie. Etrange paradoxe, ce disque semble avoir été enregistré avec l’unique obsession de ne pas ajouter la note de trop, et pourtant Dakota Suite réalise là un double album. Chris Hooson et Quentin Sirjacq prennent leur temps, laissent les ambiances s’installer doucement. Et nous de rester scotchés sur les cordes de Where The Tears Go ainsi que la guitare acoustique de The Side Of Her Inexhaustible Heart (Part IV). Aux dernières nouvelles, Chris Hooson enregistre de nouveau, son prochain disque est à prévoir pour bientôt. Le bonhomme étant plutôt productif, en attendant un nouvel album on préfère s’arrêter là, sur un silence admiratif …

Porcelain Raft - Strange Weekend

Mon, 23 Jan 2012

Voilà plus d'un an que l'on suit à la trace le dénommé Mauro Remiddi, plus exactement depuis qu'on l'a découvert sur la scène du Bataclan en première partie de Blonde Redhead. Il restait alors beaucoup de travail pour tailler ce diamant brut en provenance de la botte italienne mais depuis longtemps sur les routes d'Europe et d'ailleurs, posant sa valise indifféremment en Corée du Nord, à Berlin, New-York ou Londres. Après plusieurs EP que l'on a forcément écouté avec intérêt, le moment est venu pour son projet solo de faire le grand saut. "Strange Weekend" est donc le premier album de Porcelain Raft, le projet solo de Remiddi. Il bénéficie du cadre prestigieux du label Secretly Canadian, une belle marque de confiance mais certainement aussi un peu de pression supplémentaire sur ses épaules. Le bonhomme s'en accommode plutôt très bien à l'écoute des 10 titres de l'album, dans la veine électro-pop diaphane qu'on lui connaît. Voix réverbérée, guitare saturée et synthé planant sont, comme souvent actuellement, mis en avant. Bien que qualifiée de pop de chambre ou chillwave, la musique de Porcelain Raft n'en oublie pas son côté immédiat, dansant, à l'image d'un Put Me To Sleep ou du single Unless You Speak From Your Heart. Le premier coup de cœur de l'année, que l'on pourra bientôt apprécier sur scène en première partie de M83.

Foster The People - Torches

Sat, 21 Jan 2012

Crise financière et économique mondiale, récession, effondrement de l'industrie musicale : quelle que soit la direction vers laquelle on regarde, les constats sont les mêmes, les analyses sont superposables. On n'est pas sûrs de tout comprendre mais le message général est tout à fait clair : ça va mal, de mal en pis même, et ce n'est pas parti pour s'améliorer... Faut-il alors s'étonner qu'un des succès "surprises" de l'année dernière ait été cette petite chose joviale et innocente ? Des refrains dansants, enjoués, sans prétention, sans prise de tête : c'est donc de cette insignifiance dont on aura eu besoin en 2011. Pas glop. Ne faisons toutefois pas de mauvais procès à Mark Foster et ses acolytes. Que cet album ait rencontré un tel succès (plusieurs disques d'or, des nominations aux Grammys …) a de quoi laisser perplexe mais après tout, il n'y a pas raison d'en tenir grief à ses auteurs. On reconnaîtra même de bonne grâce que "Torches", à défaut de brûlots, compte quelques titres fort sympathiques et à même d'enflammer un dance-floor. Titre principal de l'album et succès avéré sur quelques radios américaines emblématiques, Pumped Up Kicks fonctionne totalement, il s'agit même d'un hymne miniature, à la fois irrésistible par sa ligne de basse rebondie, ludique et martiale et touchant par son côté "bricolé" - on sent que le trio ne pratique pas encore le gros son. Autres singles, Houdini et Helena Beat atteindront également sans encombre leur cible. Avec des recettes similaires mais sans la production sans égale de Dave Fridmann, "Torches" fait volontiers penser à un frangin malingre et fauché de "Oracular Spectacular". Cette modestie dans l'approche est d'ailleurs ce qui sauve l'album, car son absence apparente de prétention permet au groupe de déjouer les critiques les plus virulentes. On n'aura pas vraiment le coeur à pointer les faiblesses les plus évidentes d'un trio si sympathique - notamment des limites criantes dans la composition. La franchise oblige pourtant à signaler qu'au-delà de trois ou quatre titres irrésistibles, l'inspiration est bien maigre et même sur un album très bref (dix chansons, moins de quarante minutes), les idées se font rares. Mark Foster et ses acolytes ont intérêt à profiter au maximum de leur succès : avec ce premier album sympathique mais sans génie, tout indique que celui-ci devrait être éphémère - sauf à ce qu'un coup de théâtre nous donne tort et que l'inspiration du groupe éclate sur un éventuel deuxième album. On ne retiendra pas notre souffle - mais cela ne nous empêchera de passer encore de bons moments à danser sur Pumped Up Kicks !